Tim Burton

Filmografía por Kamul

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BIOGRAFÍA

Comienzo hablando un poco del propio director, el cual siempre destacó por ser "un tipo raro". Nació el 25 de agosto de 1958 en California, en un barrio cercano a los estudios de la Disney, y durante su infancia empezó a dar forma a su "freak" interior. Llamaba la atención de que su gran afición fuese el dibujo y el cine, sobre todo el cine de ficción de serie B, encabezado por los monstruos japoneses y las invasiones marcianas, y como no, el cine de terror de la Hammer. No se sentía atraído por la cultura ni los libros, ni siquiera los cómics. Su verdadera afición era el dibujo, los monstruos de toda clase y arrancar cabezas a los muñecos. En 1979 fue escogido para colaborar en los estudios de la Disney, y llegó a trabajar como animador para Tod y Toby y como artista conceptual para Taron y el Caldero Mágico (aunque sus bocetos fueron desechados por resultar “demasiado macabros”). Su estancia en la Disney fue bastante amargante, pues el estilo de la compañía no cuajaba con su peculiar estilo y mundo interior, y se veía muy cohibido y maniatado. No obstante, empezó a tener sus primeros pinitos como animador y cineasta, dirigiendo un par de cortos, de los cuales se hablará a continuación.
El éxito empezó a llegarle cuando le propusieron dirigir su primer largometraje...

RASGOS COMUNES Y GENERALES EN EL CINE DE BURTON

-El "Freak": Ya sea el villano, el protagonista o un personaje secundario, en ninguna película de Burton falta la imagen del "freak" o el "outsider", el "fuera de lugar". Es el incomprendido, el raro, el que no termina de encajar en el espacio en el que se encuentra ni entre los que le rodean. Su extravagancia le lleva a luchar por adaptarse a su medio y buscar la aceptación de los demás, o a reivindicar su carácter y oponerse a la comunidad de "normales". Este personaje no deja de ser un reflejo del propio Burton en la película, el cual siempre busca identificarse de algún modo con lo que hace.
-Stop-Motion: Es la técnica de animación fotograma a fotograma, con marionetas de plastilina u otros materiales. Desde siempre ha maravillado y fascinado a Burton, por ese pequeño encanto y melancolía que inspira, y de algún modo ha buscado plasmarla en algunas de sus producciones. Como sabemos, ha hecho dos largometrajes con este estilo de animación: Pesadilla Antes de Navidad y La Novia Cadáver.
-Homenaje a la Serie B: en no pocas de sus películas se podrá apreciar un cierto saborcillo "cutre", propio del cine de Serie B que tanto ha gustado a Burton desde su infancia. Algunas de ellas son claros homenajes a ese tipo de cine, como Ed Wood o Mars Attacks.
-Estética gótica: obviamente, el goticismo en su filmografía es igualmente una constante; en parte se debe a su peculiar y personalísimo estilo, y en otra busca homenajear al cine antiguo de terror.
-Danny Elfman: el compositor pelirrojo ha estado junto a la trayectoria de Burton casi toda su vida fílmica, desde que empezase a dirigir largometrajes. Su música tan personal y cargada de magia ha sabido congeniar con el espíritu de Burton desde el principio, y entre ambos se mantiene una amistad que perdura hasta día de hoy (y que ojalá siga adelante).

LOS CORTOS

VINCENT (Puedes verlo aqui: http://www.youtube.com/watch?v=iGDRTAiJXzY )
Vincent fue el primer cortometraje (y dicho sea de paso, el primer trabajo de animación) que dirigió Burton. Estaba basado en un poema que escribió durante su estancia en la Disney, deseando poder largarse de allí cuanto antes. La historia era breve y sencilla, pero en ella canalizó a la perfección su espíritu y la estética de su mundo interior, a través de un personaje que es la síntesis y fusión de todos los freaks que han pasado por la filmografía Burton. El protagonista, Vincent Malloy es un niño de siete años cuyas aspiraciones infantiles son la pintura, leer cuentos de Edgar Allan Poe y llegar a ser de mayor como su ídolo de la infancia: Vincent Pryce, un aclamado actor del cine de terror. El personaje no dejaba de ser un autorretrato del propio Tim Burton, a través del cual manifestaba sus inquietudes y con el que plasmó su inconformismo con aquella etapa de su vida. Como curiosidad, añado que Vincent Pryce era también el ídolo de la infancia de Burton, y que llegaron a conocerse durante la producción del corto, congeniando rápidamente y haciéndose grandes amigos, hasta la muerte del actor. El propio Pryce aportó la voz en off del narrador que leía el poema de Burton, mientras se iban sucediendo las imágenes. El corto recibió numerosos premios, pero la Disney acabó por guardarlo en sus archivos, pues no sabían qué hacer con él, ya que consideraban que era demasiado macabro para el público infantil. Años después, se emitió junto con Frankenweenie en el estreno de Pesadilla Antes de Navidad, y actualmente ambos cortos se encuentran en la edición en DVD de esta película.
Valoraciones:
Lo mejor: A mi parecer, prácticamente todo. Es el primer (y gran) trabajo de animación de Burton, y podemos notar lo bien que el director plasma su espíritu con esta técnica cinematográfica. El personaje de Vincent es soberbio, en él están concentrados todos los freaks que harán aparición en la filmografía de Burton: el humor macabro de Beetlejuice y el Joker, el carácter trágico y angustiado de Jack Skellington y Eduardo Manostijeras, la locura y desequilibrio de los marcianos... Es el "freak" de Burton por excelencia. Si quieres comprender de verdad cuál es el espíritu de Burton y qué intenta transmitir en todas sus películas, este corto es el primer paso a dar.
Lo peor: Aparte de que seis minutos de corto se me hacen algo escasos... yo diría que nada.

FRANKENWEENIE
Su segundo corto, también durante su estancia en la Disney. Fue un peculiar homenaje a la película de Frankenstein, y conjuntamente al cine antiguo de terror de la Hammer, aunque en ésta película se nota demasiado el bajo presupuesto. Argumento: un niño juega con su perro en la carretera, cuando de repente el animal es atropellado por un camión y muere en el acto. El niño se siente desolado por la muerte de su mascota, hasta que un día descubre en clase de ciencias cómo reanimar cuerpos muertos con electricidad. Con la idea en su mente, transforma su cuarto en un laboratorio al más puro estilo Frankenstein, y revive a su perrito colocándolo sobre una plataforma e izándolo en una noche de rayos y truenos. El animal, lleno de parches de tela cosidas y con un par de tuercas, es escondido por el niño, por temor a las represalias de una comunidad de vecinos que no comprenderán a un ser tan raro. Al final, es descubierto, y los vecinos persiguen al animal.
No sigo, por no reventaros el argumento, por si llegáis a verlo, pero podéis ibservar que no es precisamente algo muy original. Más bien se basa en rehacer la historia de Frankenstein, en un formato más "doméstico" e infantil. Aún así, la Disney se volvió a mostrar recelosa de emitirlo al público infantil por ser muy macabro (desde luego, si aquello era macabro, con La Noche de los Muertos Vivientes debía de darles un patatús). No es una gran producción dentro de los trabajos de Burton, pero aún así es anecdótica.
Valoraciones
Lo mejor: Quizás la curiosidad de saber que hay elementos que vuelve a tratar en películas muy posteriores: el tema del nuevo monstruo de Frankenstein en Eduardo Manostijeras y el molino al que van a parar el niño y el perro-monstruo en un campo de minigolf (recuerdo del molino de Frankenstein), que regresa mucho más gótico y siniestro en Sleepy Hollow.
Lo peor: Un guión facilón, bobo y bastante infantil, a mi juicio.

LOS LARGOMETRAJES

BATMAN VUELVE

PESADILLA ANTES DE NAVIDAD

ED WOOD
Esta idea sólo se le podía haber ocurrido a Tim Burton: una película biográfica sobre Edward Wood Jr., considerado peor director de la historia del cine. Este peculiar y estrafalario personaje (de nuevo, un freak típicamente burtoniano) trabajó durante la década de los años 50, en la gran época de auge de Hollywood y del cine barato de serie B, y fue famoso por su gusto por el travestismo y su pasión tanto por los jerseys de angora como por el cine, profesión a la que supo que quiso dedicarse desde sus desastrosas realizaciones de obras de teatro y su admiración por Orson Welles. La película narra su trayectoria, hasta el rodaje y estreno de su film más conocido, Plan 9 del Espacio Exterior, calificada asimismo como la peor película de la historia.
A pesar de esta atmósfera tan extravagante, la película está rodada con mucho encanto y profundidad, demostrando Tim Burton una vez más su cariño hacia los personajes raros y anormales. La historia no es otra cosa que un alegato de "el cine por el cine", del mismo modo que los vanguardistas reclamaron "el arte por el arte". Fue la segunda colaboración de Johnny Depp con Tim Burton. Ed Wood es un personaje decidido, soñador, que tiene muy claro cuáles son sus objetivos y piensa llevarlos adelante, no importa cuáles sean los baches que tenga que atravesar. A pesar de que sus películas no sobrepasarían un presupuesto de 20 €, es admirable la dedicación y pasión que Wood da a sus trabajos, por muy cutres que lleguen a ser al final. Del mismo modo, la camarilla de personajes que rodea a Wood es de lo más extravagante y llamativa, destacando la presentadora de televisión Vampira (encarnada por Lisa Marie, la ex de Burton) y un magnífico Martin Landau encarnando a Bela Lugosi, el decadente actor de cine de terror que tantas veces representó a Drácula en la gran pantalla. De hecho, la relación de profunda amistad entre Wood y Lugosi no es otra cosa que una metáfora de la relación que existió entre Burton y Vincent Price.
La película está rodada en blanco y negro a propósito, para lograr enfocar el aire de serie B y de años cincuenta, y es el primer claro homenaje de Tim Burton al cine cutre de ciencia ficción, que tanto bebió desde su juventud. Como detalle curioso, añadiré que la banda sonora en este film no corrió a cargo de Danny Elfman, debido a que durante la elaboración de la BSO de Pesadilla Antes de Navidad hubo una fuerte discusión entre el director y el compositor, y rompieron temporalmente su amistad. En lugar del pelirrojo, el encargado de la música del film fue Howard Shore, que igualmente hizo un gran trabajo con una BSO que congeniaba muy adecuadamente con la atmósfera de la película. Posteriormente, Shore se hizo famoso por su trabajo también excelente con la banda sonora de El Señor de los Anillos, dirigida por Peter Jackson. (Y una nota interesante más: Elfman colaboró con Jackson para la BSO de su película The Frighteners, nefastamente traducida en España como Agárrame esos Fantasmas).
Valoración:
-Lo mejor: la soberbia interpretación de sus personajes principales, la ternura con la que son enfocados y el aire perfectamente conseguido de film de los años 50.
-Lo peor: no sabría decir qué.

MARS ATTACKS!
Éste fue el segundo claro homenaje de Tim Burton al cine de ciencia ficción de serie B, así como a una serie de cromos del mismo título de los años 60, en la que aparecían escabrosas escenas de marcianos invadiendo la Tierra y cometiendo toda clase de barrabasadas con los seres humanos. Dicha serie fue rápidamente censurada en EEUU, dado el contenido violento de sus escenas. En un principio, la película iba a tratar sobre una serie de cromos similar, llamada Dinosaur Attacks!, cuyo tema era el mismo, solo que sustituyendo los marcianos por dinosaurios. No obstante, el reciente estreno de Jurassic Park desaconsejó la opción, y finalmente el tema de la película fue Mars Attacks!.
El argumento es sencillo: un buen día, los marcianos hacen su aparición y deciden invadir la Tierra. No obstante, a diferencia de la mayoría de películas de ficción norteamericanas, en las que Estados Unidos se levanta como el gran héroe vencedor sobre el invasor extraterrestre, en este film encontramos una caricatura de la sociedad media americana y una ácida crítica a todos sus estamentos: el presidente de los Estados Unidos (Jack Nicholson), preocupado por su imagen pública incluso cuando les atacan los marcianos, el aclamado científico (Pierce Brosnan) obsesionado por la idea de que un pueblo más avanzado necesariamente ha de ser pacífico (y ya de paso intenta ligarse a la presentadora de televisión cabezahueca, interpretada por Sarah Jessica Parker), el general fascistoide obsesionado por el bombardeo y el aniquilamiento, etc... Es el mismo recurso que empleara en Eduardo Manostijeras, solo que aquí el elemento del esperpento está mucho más exagerado, lo cual hace que nos resulte imposible encariñarnos con los personajes. Quizás con los que sí se siente parcialmente identificado Burton es con el hijo de los rancheros, que prefiere cuidar a su abuela antes que alistarse en la Marina, como su hermano, o la hija del Presidente (Natalie Portman), más madura que su propio padre. Realmente, fue esta crítica a la sociedad estadounidense lo que causó que la película fuese un estrepitoso fracaso en su país de origen, amén de que a los yanquis no les hizo demasiada gracia que [atención: SPOILER]su querido presidente muriese en pantalla.
En realidad la película no tiene argumento sólido, sino que es más bien una sucesión de sketchs, que escenifican buena parte de las escenas de los cromos. Sí que hay que reconocer el estupendo diseño de los marcianos, seres realmente cabrones y llenos de gracia adosada con mala leche, casando bastante bien con el perfil de otro freak burtoniano. Sus experimentos macabros pueden recordar un poco a Vincent, sobre todo por los experimentos con perro. Finalmente, diré que en un principio, Burton quería animar a los marcianos con stop-motion, pero los productores descartaron de inmediato la opción, por considerarla muy lenta y costosa. Burton accedió, pues, a que fuesen animados por ordenador, aunque prefirió que en sus movimientos permaneciese un deje característico del stop-motion, para reflejar aún más el aire cutre de serie B. El diseño de los OVNIs, por otro lado, es el mismo que los del film El ataque de los platillos volantes creados por Harryhausen, el precursor del stop-motion y los efectos especiales en Hollywood.
Valoración:
-Lo mejor: lo relativo a los marcianos y la música de Elfman, alocada y muy fresca (se me olvidó añadir que en este film, Burton volvió a contar con Elfman, ya que restauraron su amistad, y hasta el día de hoy siguen juntos).
-Lo peor: las excesivas irregularidades del guión y el hecho de que los personajes humanos sean tan grotescos, aunque con un sentido crítico, ya que impide que te mojes mucho con ellos.

SLEEPY HOLLOW
Tras el escaso éxito de taquilla de Ed Wood y el estrepitoso fracaso de Mars Attacks!, a Tim Burton le dejaron claro que debía procurar que su siguiente film obtuviese un importante éxito de taquilla. Tras mucho divagar y buscar posibles futuros proyectos, finalmente le ofrecieron un guión escrito por Andrew Kevin Walker, autor del libreto de Seven, que consistía en una adaptación a la gran pantalla de Sleepy Hollow, el famoso relato de fantasmas del gran escritor norteamericano Washington Irving sobre la leyenda del Jinete sin Cabeza. Tim Burton demostró encajar muy bien con el proyecto, y se encargó de darle el toque romántico, gótico y fantasmagórico que necesitaba.
La película fue en esta ocasión un homenaje a todo el cine de terror de la Hammer, actuando incluso como guiño cinematográfico la breve pero excelente actuación de Christopher Lee en el prólogo, como reminiscencia a sus antiguas interpretaciones de Drácula. Asimismo, la ambientación y escenografía lleva el indiscutible sello de las producciones Burton: las casas de tejados empinados, el molino sobre la colina (guiño a Frankenstein), los bosques de árboles desnudos, el retorcido Árbol de los Muertos, los espantapájaros, la niebla nocturna, los relámpagos y truenos, y como no, el soberbio vestuario del indiscutible auténtico protagonista del film, el Jinete sin Cabeza, convertido en un peligroso fantasma asesino rebanador de testas.
Johnny Depp volvió a colaborar con Burton en este film, encarnando a Ichabod Crane, el protagonista del relato, y uno de los más cambiados junto con el resto del argumento. Mientras que en la historia original Crane era un pedagogo de físico un tanto esperpéntico, en la película es un inspector de policía de Nueva York, que defiende a ultranza la investigación científica para descubrir a los perpetradores del crimen, en contra de los métodos retrógrados y medievales que aún perduran en una sociedad a las puertas del siglo XIX. El resto de la historia también queda muy modificada, convirtiéndose en un fantástico relato de misterio, que combina a partes iguales suspense, romance, terror y algunos puntos cómicos por parte del extraño Ichabod Crane. Una vez más, el toque de magia macabra se lo otorga la maravillosa banda sonora de Danny Elfman, dominada por las voces blancas y los violines, adquiriendo un espíritu verdaderamente fantasmagórico. Llega incluso a recordar en más de una ocasión a la BSO de Drácula de Bram Stocker, de Francis Ford Coppola. Sleepy Hollow sin duda recuperó el viejo sello por el que muchos habían conocido a Tim Burton, y le devolvió parcialmente el reconocimiento ganado por obras como Pesadilla Antes de Navidad, Beetlejuice o Eduardo Manostijeras.
Valoración:
-Lo mejor: la excelente adaptación del relato, convirtiendo la película en una historia con carácter propio, la soberbia ambientación y el toque de cuento romántico de fantasmas. Además, se agradece que muestre escenas de sangre que no resulten desagradables (a mí al menos, no me lo parecieron).
-Lo peor: un detalle que no termina de convencer es el final, aunque no lo diré aquí para evitar spoilers. Sólo diré que a mucha gente no le gustó demasiado ese final, pues cree que le quita fuerza y encanto al resto de la historia.

EL PLANETA DE LOS SIMIOS
Aún es un verdadero misterio el hecho de por qué Tim Burton accedió a llevar adelante este proyecto: un remake de la excelente película de ciencia ficción El Planeta de los Simios, protagonizada por Charlton Heston. Ya se había barajado ampliamente la posibilidad de llevarla adelante, e incluso directores como Oliver Stone y actores como Arnold Swarzenegger, pero al final se le concedió la patente de corso a Burton.
El principal problema que tiene esta película es que es precisamente eso, un simple encargo de Hollywood. Es palpable que Burton no se implicó apenas con el proyecto, sólo lo justo para hacerla lo mejor posible. Además, tuvo la mala suerte de contar con un guión pobre, más de cara al efectismo y los efectos especiales que a una trama medianamente buena, en comparación con la excelente cuestión que planteaba su predecesora, con respecto a la teoría de la evolución. El resultado: un producto puramente hollywoodiense, que no le hace la más absoluta justicia a la película original, y que además queda totalmente mutilada de elementos típicamente burtonianos (¡es que ni un tirabuzón, ni un "freak", ni un simple murciélago, ni ná de ná!).
Es cierto que existen ciertos detalles que la podrían salvar, como el excelente maquillaje, la correcta escenografía y las buenas interpretaciones de los actores que encarnan a los simios, en concreto Tim Roth como Thade, el general chimpancé cabronazo de turno, amén de la breve aparición de su padre, interpretado a modo de guiño por el mismo Charlton Heston. Y, por supuesto, destaco una vez más el estupendo trabajo en la BSO de Danny Elfman, que si bien elabora para esta ocasión una música muy distinta a las anteriores que compuso para Burton, sigue manteniendo su personalidad, creando ahora un nuevo tema lleno de ritmo y percusión. Pero por desgracia la película cojea de todo lo demás: un guión, como ya he comentado, pobre y barato, un protagonista infumable (tanto por lo plano del personaje como por la pésima interpretación del actor) y, sobre todo, un final metido con calzador, que al parecer intentaba emular de alguna forma el impacto obtenido con el final de la película original, pero que con ésta sólo riza más el rizo del absurdo.
La película, no obstante, recaudó bastante dinero en taquilla, a pesar de que la acogida del público fue más bien fría. No es de extrañar que poco después Burton cayera presa de una fuerte depresión, de la que le costó recuperarse.
Valoración:
-Lo mejor: el maquillaje de los simios, las correctas interpretaciones de los actores que los encarnan, y por encima de todo la música de Elfman, muy rítmica y salvaje.
-Lo peor: todo lo demás: lo absurdo de la idea en sí, la impersonalidad de la película al verse tan carente de elementos con el sello de nuestro director, el penoso final, etc, etc...

BIG FISH
Afortunadamente, El Planeta de los Simios resultó ser sólo un bache en la creatividad de nuestro director favorito. Tras superar su depresión a causa de la escasa acogida que tuvo el remake, Tim Burton volvió a sorprender a la crítica y a sus acérrimos fans con Big Fish, una maravillosa fábula basada en una novela homónima. En esta película, Burton vuelve a recuperar el trasfondo de cuento de hadas propio de Eduardo Manostijeras, aunque en esta ocasión deja de lado la ambientación oscura y gótica y se decanta por una atmósfera más colorida y alegre, con lo que podemos descubrir una nueva faceta suya que desconocíamos, una más tierna y optimista.
En Big Fish, el protagonista Edward Bloom es un hombre orgulloso de ser quien es, con una fabulosa habilidad narrativa con la que logra cautivar a su público, y confundir a menudo la fantasía con la realidad. El único inconforme con esa cara de Edward es su hijo, quien no sabe quién es su padre realmente, y siente que éste vive sumido en un cuento, y que sólo utiliza sus historias como excusa para no enfrentarse al mundo real. El día de su boda, padre e hijo discuten y dejan de hablarse. Varios años después, se reencuentran por petición de su madre, ya que Edward es víctima del cáncer y no tardará en morir. Comienza entonces una carrera entre padre e hijo para reconstruir el pasado de Edward Bloom; el primero, recurriendo una y otra vez al elemento fantástico para evocar esos momentos de su vida que consideró irrepetibles; el segundo, buscando toda la documentación posible, y con la meta de averiguar quién es de verdad su padre.
En esta ocasión, fue Ewan McGregor el actor protagonista, encarnando al Edward Bloom joven, de las fabulosas historias que cuenta su versión del futuro. Una vez más, podemos encontrar elementos burtonianos, como la aparición del circo (siendo su director Danny DeVito) y la galería de personajes extravagantes, como el propio Bloom, e individuos como el gigante Karl, las siamesas chinas, la bruja cuyo ojo revela la muerte de quien lo mire… Los relatos del anciano Bloom están empapados de fantasía, a menudo desbordante, a la vez que la búsqueda de su hijo nos hace volver a la realidad, transcurriendo la historia en dos planos paralelos que con frecuencia entran en contacto, haciéndonos difícil discernir hasta dónde llega la realidad y hasta dónde lo fantástico. Finalmente, la culminación con la reconciliación entre los dos mundos y las dos versiones dan la nota final a esta tierna historia, dejándonos de nuevo con la misma sonrisa amarga que en Eduardo Manostijeras.
Añadir también que fue ésta la primera película en la que actuó la actual pareja de Burton, Helena Bonham Carter, con quien empezó a salir tras romper con Lisa Marie.
Valoración:
-Lo mejor: todo. Una historia mágica que atrapa desde el primer instante, altamente recomendable.
-Lo peor: nada.

CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE
Una vez recuperado su puesto y reivindicado su talento, Tim Burton nos vuelve a deleitar con su cine típicamente surrealista, donde lo imposible es ahora posible. En esta ocasión lo hace con una adaptación cinematográfica del libro de Rhoal Dhal Charlie y la Fábrica de Chocolate. Ya existía una adaptación más antigua, de los años 60, pero Burton prefirió basarse directamente en el libro sin ver la susodicha adaptación previamente, para garantizar que su película se basaría en el libro, no en la primera versión cinematográfica.
La película está cargada de todo el surrealismo fantástico que podríamos encontrar en otros films de Tim Burton, aunque ahora los medios digitales proporcionan una mayor facilidad para recrear ambientes tales como la retorcida cabaña en la que vive Charlie junto con su familia o la inmensa fábrica de chocolate de Willie Wonka, que vista desde fuera llega incluso a asustar. Johnny Depp se vuelve a poner las pilas a la hora de trabajar con uno de los directores con los que mejor se entiende, colaborando consecutivamente en ésta y en la segunda película estrenada poco después, La Novia Cadáver (cuya reseña vendrá a continuación). En esta ocasión se mete en el papel de Willie Wonka, el excéntrico dueño de la fábrica de chocolate, que vive por y para ésta, inmerso en su propio mundo donde él puede dictaminar las reglas. Ya vemos, por tanto, que sigue el perfil de uno de los “freaks” de Burton. La llegada de cinco niños a su fábrica pondrá a prueba su paciencia, ya que el ganador de su singular prueba obtendrá un premio fabuloso, como jamás podrían haberse imaginado…
Como adaptación del libro (y debo confesar que no lo he leído U) está muy trabajada, dándole una vez más el toque de fantasía desbordante que requiere un cuento de Rhoal Dhal. Tim Burton le añade, además, un detalle que no se presentaba en el libro: el pasado de Wonka, justificando sus razones de llevar adelante la fábrica de chocolate. Christopher Lee vuelve a aparecer aquí, como el padre de Wonka, un aclamado dentista que no soporta el chocolate ni las golosinas de ningún tipo. Como conclusión, diré que es una historia divertida, narrada con mucho mérito para ser fácilmente aceptada tanto por niños como por adultos. Volvemos a encontrar, además, el elemento “esperpento”, aunque sacado también del propio libro, con los niños que acompañan a Charlie, que no son sino una metáfora sobre la mala educación de los niños de nuestra sociedad. Resulta muy interesante ver cómo este libro fue escrito hace tanto tiempo, y lo que transmite aún tiene trascendencia.
Valoración:
-Lo mejor: el elemento surrealista, la correcta adaptación del libro y la amenidad con la que se cuenta una historia para niños.
-Lo peor: no deja de ser una historia infantil, y mucha gente quedó descontenta con la película. Hay quien incluso la tacha de demasiado comercial y de poca calidad, con respecto a otras producciones de Burton.

LA NOVIA CADÁVER
Tras el magnífico aunque poco valorado resultado de Pesadilla Antes de Navidad, Tim Burton ha decidido regresar a la técnica de la animación stop-motion para traernos una nueva historia cargada de romanticismo, y esta vez rescatando la atmósfera gótica y espectral que tanto le ha caracterizado en su carrera cinematográfica. Y lo hace con todo su esplendor en La Novia Cadáver, indudable legado de Pesadilla, tanto por el estilo de animación como por el tono de cuento siniestro. No obstante, ésta es una historia totalmente independiente de la de Jack Skellingon, basada en un cuento popular del siglo XIX. En una pequeña aldea de Europa, dos familias, los Van Dort y los Everglot, mercaderes enriquecidos y aristócratas arruinados, respectivamente, buscan una salida a sus problemas a través de la boda concertada de sus hijos, Víctor y Victoria; los primeros, para obtener prestigio social; los segundos, para recuperar su fortuna perdida. No obstante, el tímido Víctor (encarnado por Johnny Depp, y perfectamente recreado en la marioneta) se muere de miedo a la hora de pensar en la boda, y decide pasear por un bosque mientras ensaya los votos del matrimonio... con tan mala suerte que cuando los culmina con éxito, se da cuenta de que, por accidente, ha contraído matrimonio con una novia cadáver. A partir de ahí, Víctor se verá atrapado en el mundo de los muertos, intentando encontrar una solución a su problema.
En esta película cabe destacar la presencia de un dibujante catalán, Carlos Grangel, el encargado de trabajar a partir de los bocetos de Burton y diseñar los definitivos a partir de los cuales se elaboraron las marionetas. El film posee un excelente trabajo de animación, con una amplia riqueza en cuanto a la gama de expresiones corporales y faciales, y una cuidada y deliciosa escenografía rica en detalles. Se nota muy bien el paso del tiempo en la calidad de la animación, en comparación con Pesadilla.
El elemento Burton se encuentra esta vez desde el comienzo del film, y no sólo por la lóbrega ambientación, sino también por la interesantísima dualidad vivos/muertos, dejándonos claro de parte de quién se pone Burton. El mundo de los muertos es alegre, colorido y, paradójicamente, vivaracho (el mejor ejemplo es Bonejangles, el esqueleto de quijada torcida, gran intérprete de cabaret); el de los vivos en cambio es gris, triste y monótono, lleno de personajes cínicos que sólo miran por las apariencias, su bolsillo y sus beneficios personales. Asimismo, el personaje de la Novia Cadáver es maravillosamente entrañable y trágico, tanto por su historia como por su deseo de contraer matrimonio, a pesar de que descubre que le está vedado.
La música de Elfman vuelve a jugar un elemento fundamental en la película, si bien no hay un número tan amplio de canciones como en Pesadilla (en éste llegan a 10 canciones, y en La Novia Cadáver solo a 4). En el mundo de los vivos, posee la melancolía fantástica y espectral propia de films anteriores, y en el de los muertos resuenan con brío temas de jazz y de cabaret, al más puro estilo de Chicago.
Valoración:
-Lo mejor: prácticamente todo. Es precisamente el hecho de ser distinta a Pesadilla Antes de Navidad lo que la hace tan buena película.
-Lo peor: yo diría que nada.